Nouveau poste

Benjamine Weill, administratrice du Département des études et de la recherche puis du service de la coordination de la recherche et des manifestations scientifiques à l'INHA de 2005 à 2017, devient responsable du service de l’École doctorale de l'EHESS.

Nous lui adressons toutes nos félicitations !

Nouveau poste

Isabelle Dubois-Brinkmann, pensionnaire à l’INHA de 2019 à 2023, vient de prendre le poste de directrice des musées municipaux de Mulhouse et conservatrice en cheffe du Musée historique.

Nous lui adressons toutes nos félicitations !

Soutenance de thèse

Abel Debize, chargé d'études et de recherche à l'INHA de 2015 à 2018, vient de soutenir sa thèse intitulée "Le palais ducal de la famille de Lorraine à Nancy, 1477-1739 Histoire, Architecture, Décor" à l'Université de Lorraine, sous la direction de Daniela Gallo.

Résumé :

1. Contexte d'étude Monument emblématique de la ville de Nancy, l'ancien palais ducal s'affirme encore aujourd'hui comme le creuset à l'intérieur duquel se déploie majestueusement un segment de l'histoire lorraine. Malgré les nombreuses mutilations et transformations qu'il a subit au cours des siècles, le palais ducal constitue toujours de nos jours un symbole fort dans le paysage nancéien et plus largement lorrain. Jadis centre politique et administratif des ducs de Lorraine, devenu aujourd'hui musée d'art et d'histoire, le complexe architectural de l'ancien palais ducal demeure un enjeu important dans le cadre de la valorisation du patrimoine lorrain. Le projet de rénovation et d'extension dont il fait actuellement l'objet confirme, si besoin est, à la fois son importance cruciale dans la politique culturelle municipale et sa valeur d'écrin architectural. Dans le cadre d'une telle dynamique, la reprise d'une étude lui étant consacrée semble d'autant plus pertinente qu'elle serait en mesure de s'appuyer sur un certain nombre de recherches antérieures, tout en venant s'associer aux différentes opérations (architecturales et archéologiques) à venir visant à mieux comprendre l'évolution architecturale du palais ducal au cours des siècles.

2. Définition du projet En effet, si l'ancien palais des ducs de Lorraines fît l'objet d'un certain nombre de travaux et de recherches scientifiques, ces derniers se sont très largement consacrés à des éléments spécifiques de l'histoire ou de l'architecture du complexe. Ainsi, comme le soulignait, il y a de cela quelques années, l'ancienne directrice du musée Lorrain Francine Roze, aucune synthèse consacrée au palais ducal n'a encore vu le jour. On se propose donc, dans le cadre de ce projet, d'envisager une étude approfondie du palais qui puisse à la fois permettre de mieux connaître les différents développements architecturaux qu'il connut au cours des siècles, tout en replaçant ces derniers dans une continuité régie par des contextes historiques spécifiques. Notre étude sera centrée sur une période débutant au XVe siècle, au moment de l'impulsion nouvelle donnée par l'intervention de René II, jusqu'aux transformations du XVIIIe siècle et la cession du palais à la municipalité par le roi Stanislas. Ce choix chronologique repose sur la nécessité d'envisager l'étude architecturale du palais ducal dans une logique transversale étroitement liée à l'histoire des ducs de Lorraine et à la nature spécifique de ce lieu en tant qu'espace de représentation ainsi que centre du pouvoir et de l'administration ducale. Il s'agira également de concentrer notre attention sur une période de l'histoire du palais ducal qui, bien que particulièrement riche, demeure mal connue. Une méconnaissance que l'on peut sans doute lier à l'absence de certaines sources mais plus encore, à l'intense activité déployée autour du site au XIXe siècle et sa transformation en musée au milieu de ce siècle sous l'impulsion d'un certain nombre de personnalités au premier rang desquelles figure Henri Lepage.

3. État de la recherche C'est à ce dernier que l'on doit la première analyse d'envergure de l'histoire du palais ducal, guidée par l'examen d'archives aussi variées qu'incomplètes1. A sa suite, d'autres reprirent l'étude du complexe palatial dans le cadre d'articles de revues ou d'ouvrages généraux consacrés à l'histoire de Nancy et à ses monuments les plus fameux. Ce fut le cas de Ch. Pfister2 ou encore de P. Marot3, mais également de personnalités plus étroitement liées à l'ancien palais devenu musée tel que J. Choux ou plus récemment F. Roze. D'autres études se concentrèrent sur des éléments spécifiques et particulièrement remarquables du palais ducal : la porterie par H. Lepage et P. Simonin4, les jardins du palais par A. Virgili5, le bastion des dames par J.-J. Lionnois ou encore la galerie des cerfs et son système décoratif analysé par N. Reynaud6 et J. Guillaume7. Nombre de ces études s'apparentent à des apports fondamentaux pour l'accroissement de nos connaissances sur le palais ducal, mais aucune ne peut-être considérée comme un regard synthétique, ni être envisagée en tant que strict examen de l'évolution architecturale du bâti du palais ducal. A ces recherches plus ou moins anciennes, œuvres d'historiens, sans doute faut-il associer celles des architectes (ou exclusivement consacrées à l'architecture tel que l'article de J.-M. Collin8) dont les analyses fournissent la matière d'un renouvellement d'une étude sur le palais ducal de Nancy. Les travaux de Boeswilwald et Chatelain dans le cadre de la restauration du bâtiment au XIXe siècle mais plus encore, les récentes analyses (2007-2008) effectuées par l'architecte en chef des monuments historiques, P.-Y. Caillault permettent d'envisager avec sérieux un compréhension plus complète de ce complexe palatial9.

4. Méthodologie envisagée Cependant, dans le cadre de ce projet, on ne pourrait simplement se contenter d'entreprendre une simple œuvre de compilation des connaissances anciennes et récentes. L'état actuel du complexe ducal reflète mal sa nature et sa composition entre le XVe et le XVIIIe siècle, aussi faut-il souligner par quels moyens envisage t-on cette étude dans le cadre d'une approche méthodologique qui se veut la plus complète possible. A l'examen des recherches antérieures, peu nombreuses, on devra tout d'abord associer celui des sources « directes » anciennes. Les premières soulignent la rareté des secondes. Toutefois, l'histoire mouvementée du duché de Lorraine, sa situation au cœur d'une Europe agitée entre le XVe et le XVIIIe siècle par d'innombrables bouleversements, permettent d'envisager l'existence d'une documentation inconnue. Les liens des ducs de Lorraine avec l'Italie (la Toscane notamment), les puissances outre-Rhin successives ou encore la Pologne, tout comme le passage et l'occupation par des armées étrangères de la ville de Nancy supposent une certaine mobilité de nombreux documents qu'il convient donc de rechercher en Lorraine mais ailleurs en Europe également. On devra donc retenir comme nécessaire le maintien d'une réflexion transdisciplinaire à l'intérieur de laquelle les données historiques, économiques, juridiques, etc... viendront nourrir l'analyse architecturale du palais ducal. L'ensemble des sources documentaires (chroniques, documents iconographiques, plans, documents administratifs, etc...) rassemblées s'accompagnera d'une analyse critique indépendante dans un premier temps. Analyse qui s'étendra par la suite aux interventions architecturales effectuées sur le palais ducal au XIXe siècle dans le cadre de la compilation des données sur le terrain. Si ces interventions anciennes se situent en dehors du cadre chronologique choisi pour cette étude, l'inévitable analyse du bâti actuel devra en effet prendre en compte la restauration exécutée par l'architecte Boeswilwald et son ambition de restaurer l'état « originel » du palais dans un contexte où la théorie et la pratique de la restauration des monuments anciens, développée par Viollet-le-Duc et son cercle (auquel Boeswilwald appartenait), suppose souvent la prise de certaines libertés vis à vis de la réalité historique. Ainsi il faudra, dans un premier temps de la recherche, recueillir les données issues de sources variées et rassembler les observations faites directement sur le site du palais ducal tout en évitant soigneusement leur croisement. Cette « étanchéité » de principe permettra ainsi d'envisager l'évolution architectural du palais en écartant autant que possible d'éventuelles erreurs liées aux modifications du XIXe siècle. Cette étape nous permettra de reconstituer avec autant de précision et de rigueur que possible les étapes de l'évolution architecturale du palais ducal, les formes qu'il a pu revêtir entre le XVe et le XVIIIe siècle ainsi que d'identifier ou de préciser l'identité des individus associés à ces transformations. Les analyses comparatives avec d'autres ensembles architecturaux en France et en Europe permettront de prolonger cette étape, d'en approfondir la teneur pour isoler la présence de certains schémas, de certaines formes architecturales et ainsi, mieux comprendre la genèse et les mutations des structures du palais. On pourra, par la suite, envisager le croisement des sources recueillies avec les données issues de l'observation directe du complexe architectural ou obtenues grâce aux opérations archéologiques prévues sur le site pour en synthétiser l'ensemble.

5. Perspectives et développements futurs En s'intéressant à l'évolution architecturale du palais ducal entre le XVe et le XVIIIe siècle, on ambitionne d'offrir un regard approfondi sur une période aux riches perspectives bien que demeurant encore méconnue. Figure syncrétique au croisement de l'esprit de la renaissance avec l'architecture gothique, le palais des ducs de Lorraine s'affirme comme l'un des prismes au travers duquel peut se lire le jeu des influences artistiques européennes. Dans cette perspective, notre projet permettra d'accroitre nos connaissances sur ce monument de l'histoire lorraine tout en le replaçant dans un contexte plus vaste lui offrant alors une nouvelle visibilité.

Nous lui adressons toutes nos félicitations !

Nouvelle actualité

Jean-Marie Guillouët, conseiller scientifique pour le Moyen Âge à l'INHA de 2008 à 2012, professeur à l’Université de Bourgogne et membre de l’UMR ARTEHIS, a été nommé membre senior au titre de la chaire fondamentale à l’Institut universitaire de France.

Nous lui adressons toutes nos félicitations !

https://www.iufrance.fr/les-membres-de-liuf/membre/720-jean-marie-guillouet.html

Nouvelle publication

Déborah Laks, chargée d'études et de recherche à l'INHA de 2008 à 2012, vient de publier un ouvrage intitulé Transmission and Gender: Women artists as teachers in the XXth century.

Résumé :

Tandis que le champ de l’enseignement de l’art se féminise, lentement mais sûrement, la spécificité des trajectoires féminines et de leurs effets sur la transmission et la création se trouvent au carrefour de plusieurs champs et ouvrent une pluralité de questionnements. A quoi ressemble une carrière féminine, de quelle manière les institutions sont-elles modifiées par l’arrivée des femmes ? Comment les hiérarchies sont-elles repensées, le champ référentiel des élèves évolue-t-il, que permettent les nouvelles méthodes développées ? Les articles réunis mettent en lumière des trajectoires individuelles tout en retraçant plus largement les luttes dont les écoles sont le théâtre et les évolutions que l’enseignement par des artistes femmes révèle, prépare ou accomplit dans le champ de la création contemporaine.

Format : 26 x 19,3 cm

Nombre de pages : 134 p.

Couverture rigide

Poids : 616 g.

Prix : 46,90 €

Série : Passages en ligne, volume : 26

ISBN : 978-3-98501-155-1 (PDF)

ISBN : ISBN 978-3-98501-156-8

Édition : Heidelberg, arthistoricum.net-ART

Parution : 14/06/2023

Nouveau poste

Toni Legouda, directeur général des services à l'INHA de 2015 à 2022, a été nommé DGS au sein de l'Université Sorbonne Nouvelle.

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Prix du Rayonnement de la langue et de la littérature françaises

Valentina Hristova, chargée d'études et de recherche à l'INHA de 2010 à 2014, vient de recevoir par l’Académie française au titre de ses Grands Prix de l’année 2023, le Prix du Rayonnement de la langue et de la littérature françaises, récompensé par une médaille de vermeil.

La cérémonie officielle, au cours de laquelle les prix seront proclamés, aura lieu sous la Coupole le 30 novembre prochain.

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Nouveau poste

Laura Karp Lugo, chargée d'études et de recherche à l'INHA de 2007 à 2011, vient d'être nommée professeure d'histoire de l'art à l'école des Beaux-Arts de Paris.

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Nouveau poste

Aurélia Cohendy, chargée d'études et de recherche à l'INHA de 2011 à 2015, prend le poste de documentaliste scientifique au sein du Département des Peintures du musée du Louvre, et en charge des études documentaires de la peinture française et la peinture flamande du XVIe siècle, du fonds documentaire des collectionneurs, marchands et mécènes, du fonds des archives privées et celui des catalogues de ventes.

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Nouveau poste

Isabelle Marchesin, conseillère scientifique à l'INHA depuis septembre 2014 pour le domaine de recherche Histoire de l'art du IV^e au XV^e siècle, vient d'être nommée conservatrice du Musée national de Port-Royal-des-Champs à Magny-les-Hameaux.

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Nouveau poste

Jérémie Cerman, pensionnaire à l'INHA en 2011 et 2012, vient d'être recruté à l'Université d'Artois en tant que professeur en Histoire de l'art contemporain ; XIX^e-XXI^e siècles ; France et Europe du Nord-Ouest.

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Prix Nicole du Comité Français d'Histoire de l'Art

Vladimir Nestorov, chargé d'études et de recherche à l'INHA de 2016 à 2020, vient de recevoir le prix Nicole par le Comité Français d'Histoire de l'Art pour sa thèse sur La peinture à Paris sous le règne d’Henri IV et la régence de Marie de Médicissous la direction d’Olivier Bonfait, soutenue en juin 2022.

Image : Philippe Millereau, Le Sacrifice d’Iphigénie, vers 1600-1610, huile sur bois, 81 x 92,5 cm, Fontainebleau, musée national du château (inv. F 2910 C)

Who You Staring At? Culture visuelle de la scène no wave des années 1970 et 1980 au Centre Pompidou ParisCommissariat : Nicolas Ballet, attaché de conservation, collection Nouveaux Médias au Centre Pompidou Paris

Nicolas Ballet, chargé d'études et de recherche à l'INHA de 2013 à 2016, est commissaire de l'exposition "Who You Staring At?" Culture visuelle de la scène no wave des années 1970 à 1980 qui a lieu au Centre Pompidou Paris du 1er février au 1er mai 2023. 

"Who You Staring At?" Culture visuelle de la scène no wave des années 1970 et 1980

Une nouvelle scène artistique, la no wave, naît dans les quartiers à bas loyers du Lower Manhattan à New York, en 1978. L’échec du modèle culturel et économique hippie à la toute fin des années 1960, puis les transformations commerciales de la new wave et du disco poussent les principaux acteurs du mouvement à rompre avec les circuits de l’art contemporain et de l’industrie musicale.

Provenant de domaines artistiques variés, les groupes no wave s’approprient les instruments de la scène rock pour mieux les retourner contre elle-même, afin de subvertir ses icônes. Les guitares désaccordées, les rythmes déstructurés et les chants criards viennent enrichir un éventail de productions visuelles radicales, révélant le projet d’une culture alternative, croisant de nombreux supports : affiche, cassette et disque audio, film, vidéo. Les sons saturés et dissonants se traduisent en images abrasives, altérées par un détournement des techniques de reprographie (Xerox art), largement employées dans les réseaux punks et des musiques industrielles dès le milieu des années 1970.

Cette présentation emprunte son titre à l’album de John Giorno et Glenn Branca, Who You Staring At?  Une interrogation qui transcrit l’esprit de confrontation des artistes no wave et une volonté de déconstruire le regard, abordés ici à travers un ensemble de pratiques pluridisciplinaires au croisement de la danse, de l’opéra, de la musique et des arts visuels.

Les activités des groupes no wave définissent les limites d’un territoire, le Lower East Side et le Tribeca de la fin des années 1970, dont le déclin urbanistique offre un véritable laboratoire à ciel ouvert à une nouvelle génération de musiciens, cinéastes, plasticiens et performers. Leur travail en commun constitue rapidement le cœur de la scène.

Retrouvez toutes les autres informations sur le site du musée.

Photo : Beth B, Scott B, "Letters to Dad", 1979, film Super 8 (détail). Collection Beth B & Scott B / Kino Lorber

Nouvelle publication

Fabienne Fravalo, chargée d'études et de recherche à l'INHA de 2009 à 2013, publie un ouvrage issu de sa thèse de doctorat, soutenue en 2015 et récompensée par le Prix du musée d'Orsay en 2016, Art et Décoration, une revue entre deux siècles (1897-1914). De l'Art nouveau à un art décoratif moderne, édition Mare et Martin, 2023, 680 p.

Résumé :

En 1897, paraît la première revue parisienne consacrée à la critique des arts décoratifs contemporains, Art et Décoration, publiée par la Librairie centrale des beaux-arts. Jusqu’à son interruption temporaire en 1914, elle reste fidèle aux engagements énoncés par son programme : accompagner le développement d’un art décoratif français moderne. C’est pourquoi elle prend intensément part aux débats critiques, esthétiques, théoriques et idéologiques qui sous-tendent l’actualité artistique, de l’éphémère apogée de l’Art nouveau aux prémices de l’Art déco. 

À travers un parcours diachronique, déterminé par les évolutions de la vie artistique au passage du XX^e siècle, cet ouvrage analyse la complexité d’une période singulièrement riche, mais rarement abordée pour elle-même du point de vue de l’histoire des arts décoratifs. Décryptant l’action critique et théorique d’Art et Décoration, il replace celle-ci au sein du champ éditorial des revues d’art, explore l’implication de ses principaux acteurs, interroge la vocation militante de son discours critique et définit les contours de l’esthétique décorative élaborée au fil de ses pages.

https://www.mareetmartin.com/livre/art-et-decoration-une-revue-entre-deux-siecles-1897-1914

Nouvelle publication

Chercheur-invité à l'INHA en 2016 pour le programme "Profession Culture", Romeo Kodra publie un nouvel ouvrage intitulé Iconology and Iconographies of Boulevardisation. Institutional Critique and Institutional Theory Challenges.

What is a boulevard? What is the 'boulevardisation of Helsinki'? Who is the author or the authors? The "Iconology and Iconographies of Boulevardisation. Institutional Critique and Institutional Theory Challenges" (ISBN 978-952-94-7252-9), intended as a sort of "Conversations with Myself", in the manner of Bill Evans, answers these questions and offers a conceptual synthesis of the boulevard, the main concept upon which the last urban plan of the Finnish capital is built, and which drove and underpinned the 'boulevardisation of Helsinki'. In addition, it offers an analysis of the representational aspects of artistic and cultural objects and subjects deployed throughout Helsinki's boulevard(isation)s and the (govern)mentality of the people that produced them. The horizon, which serves as the analytical background to the text, is made of, first and foremost, the iconology and iconographies of the boulevard and, consequently, boulevardisation. Secondly, it is made of the institutional critique, through which the author's personal artistic practice can be defined. Lastly, it is made of the critique of the institutional theory concerning the art and culture institutions in the Finnish context highlighted by four interviews with the urban planners of the Helsinki Municipality Niklas Aalto-Setälä and Rikhard Maninnen, the Vice Chairman of The Finnish Art Society Asko Mäkelä, and the professor of European History, Urban Planning as well as the member of the Helsinki Municipality Council Laura Kolbe.

Link: Iconology and Iconographies of Boulevardisation. Institutional Critique and Institutional Theory Challenges. (Romeo Kodra) – aks (wordpress.com)

Soutenance de thèse

Katia Schaal, chargée d'études et de recherche à l'INHA de 2015 à 2019, soutiendra sa thèse de doctorat intitulée La médaille de sculpteur, essor d’un genre à l’époque de la « médaillomanie » (1880-1920), préparée sous la direction de Madame Claire Barbillon (professeure à l’Université de Poitiers et directrice de l’École du Louvre),

le jeudi 5 janvier 2023 à 9h à l’École du Louvre, salle Imhotep,

Résumé :

Entre les années 1880 et 1920, le phénomène de « médaillomanie » conduit certains sculpteurs à reconsidérer la médaille comme support de leur production sculpturale et à s’approprier son relief pour se livrer àl’expérimentation. Quand la majorité succombe à la médaille pour de rares tentatives (A. Bartholomé, F.-R. Carabin, G. Granger, H. Greber, P. Roger-Bloche ou V. Ségoffin), d’autres s’y abandonnent complètement (F. Gilbault, H. Lefebvre, J.-P. Legastelois, P. Roche ou C. Theunissen), passant du monumental au registre minimal, et allant jusqu’à revendiquer une pratique de « sculpteur-médailleur » (V.-P. Dautel, P.-A. Morlon, P.-F. Niclausse, H. Nocq et O. Yencesse). L’originalité de leur approche se confirme en comparaison des réalisations de leurs confrères graveurs en médailles, qui demeurent respectueux des conventions de leur art du fait de leur formation académique. Entre sculpture et médaille, il subsiste de réelles différences d’échelle, de nature du bas-relief et detechnique, comme l’obligation de maîtriser la gravure réelle sur acier. La frappe, procédé clé pour la médaille, est l’axe fondamental de la constitution du corpus. À partir des collections du dépôt légal que conservent la Bibliothèque nationale de France et la Monnaie de Paris, l’intérêt se porte spécifiquement sur la médaille de sculpteur et non aux médaillons fondus pour saisir ce qui pousse les sculpteurs à basculer vers un domaine artistique si différent du leur, hormis les raisons conjoncturelles dictées par l’augmentation des distinctions honorifiques promues par la méritocratie républicaine,par la libéralisation du marché de l’édition, par la nécessité de forger de nouveaux modèles pour un public qui
se démocratise, par l’essor de l’exposition et de la muséalisation de la médaille, par l’emploi de procédés mécaniques comme le tour à réduire, etc.

Cette étude repose sur le catalogage d’une production artistique négligée, car placée à la marge du travail statuaire. En suivant un modèle prosopographique, le but est de cerner les contours d’une « école de sculpteurs-médailleurs » (1898-1907) investie à abattre la frontière entre médaille et sculpture. Cette
perméabilité disciplinaire modifie irrémédiablement le statut de l’artiste, l’esthétique de la production et même l’usage de l’objet. En ne se destinant plus uniquement à la commémoration ou à la récompense, les artistes s’emparent de son «champ» comme n’importe quel support artistique et commuent la médaille en objet de décoration ou en œuvre de délectation. L’analyse des débats qui agitent le milieu, en opposant les partisans de la machine et les défenseurs de la main, permet de reconsidérer l’histoire des techniques, les modes de transmission et d’aborder la réception pour comprendre les répercussions dans la formation, les pratiques de gravure et de modelage, ainsi que dans les réalisations des graveurs en médailles. Enfin, en dépassant un discours historiographique contemporain de l’essor médaillistique, cette étude souhaite enrichir l’histoire de la sculpture en montrant comment elle a pu devenir un enjeu du renouveau de la médaille.

Contact :katia.schaal @ recherche.ecoledulouvre.fr (katia.schaal @ recherche.ecoledulouvre.fr)

Nouvelle publication

Thomas Schlesser, chargé d'études et de recherche de 2002 à 2006 puis pensionnaire en 2010 à l'INHA, publie un ouvrage intitulé Anna-Eva Bergman, Vies lumineuses, Gallimard, 384 p.

Résumé :

Elle a longtemps échappé aux radars de l'histoire de l'art. On découvre aujourd'hui avec Anna-Eva Bergman (1909-1987) une peintre d'importance majeure qui a investi dans son œuvre une ambition sacrée, presque mystique. Sa vie, racontée pour la première fois grâce à une enquête au cœur de ses archives, est hors norme : une enfance norvégienne sous le signe de la peur ; une jeunesse bohème et aventureuse à travers l'Europe ; une carrière d'illustratrice ; des démêlés avec l'Allemagne nazie ; une lutte acharnée avec une santé défaillante ; trois mariages, dont deux avec le même homme - Hans Hartung - à vingt-huit ans de distance ; une fin tragique dans la splendeur de sa villa d'Antibes.Mais, surtout, Anna-Eva Bergman, c'est une vie dédiée à la création, loin des modes. Elle est aujourd'hui l'objet d'un engouement spectaculaire et sa cote s'envole. Il n'en a pas toujours été ainsi. Insuffisamment reconnue dans son pays d'origine, défendue par quelques rares alliés en France et en Europe, elle fera une très honorable carrière, certes, mais en sourdine, souvent dans l'ombre. Elle a beau croiser la route de Kandinsky, Soulages ou Rothko, elle demeure marginale. Caractérisés par l'emploi de feuilles d'or et d'argent et le rythme de la ligne, ses tableaux sont des évocations hiératiques et simplifiées, radicales, des grandes forces structurantes de l'univers - les éléments, les minéraux, le temps ... Elle a laissé une quantité considérable de documents (la plupart en norvégien) qui permettent de comprendre enfin cette femme, dans la complexité de son être, le drame de son existence et la magnificence de son œuvre.

Soutenance de thèse

Vincenzo Mansuco, chargé d'études et de recherche à l'INHA de 2014 à 2018, soutiendra sa thèse intitulée Carlo Maratti, le renouveau typologique et formel du tableau d'autel et les enjeux de la commande, préparée sous la direction de Monsieur Alain Mérot (professeur émérite depuis le 1^er septembre 2019),

le samedi 19 novembre 2022 à 14h00 à l'INHA, Paris, 2 rue Vivienne, salle Ingres (2e étage),

Résumé :

La thèse interroge la place centrale du tableau d’autel dans la production du peintre Carlo Maratti (1625-1713). Ce travail est fondé essentiellement sur les sources textuelles, archivistiques, mais l’analyse stylistique y joue aussi un rôle important. Cette étude propose une approche multiple qui interroge différentes méthodes. Au fil de nos recherches la question de la commande est apparue centrale, surtout en l’articulant avec les avancées de l’histoire sociale de l’art. Ainsi, le choix d’une stricte diachronie permet d’étudier la progression des prix et les stratégies mises en place par l’artiste pour atteindre des sommes considérables. L’étude de l’emplacement et du contexte d’origine s’est avérée tout aussi fondamentale pour comprendre les choix formels de l’artiste. Nous interrogeons aussi ces œuvres religieuses à travers une étude iconographique dans le contexte particulier de Rome,qui est au cœur de la politique religieuse du monde catholique. Ces enjeux apparaissent avec évidence dans les tableaux de béatification et dans l’essor de l’iconographie de l’Immaculée Conception. Nous replaçons également les tableaux d’autel de Carlo Maratti dans un cadre théorique spécifique en interrogeant leur place dans ses premières biographies, en particulier celle de Giovan Pietro Bellori. Le choix de ses modèles formels, Raphaël et Guido Reni, est analysé en relation à la réception de la théorie du « Beau Idéal » dans sa connotation plus strictement religieuse.

Tableau: Carlo Maratti, L'apparition de la Vierge à saint François de Sales, vers 1686, Forli, Pinacoteca Civica

Soutenance de thèse

Clément Salviani, chargé d'étude et de recherche à l'INHA de 2015 à 2019, soutiendra sa thèse intitulée Armes, métier des armes, et armées en Italie centrale et méridionale : une archéologie du guerrier italique, VIe-IIIe siècles av. J.-C, préparée sous la direction de Monsieur Olivier De Cazanove (professeur d'archéologie romaine (occidentale) et maître de conférences d'histoire ancienne à l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne),

le vendredi 16 décembre 2022 à 14h00 dans l'Amphithéâtre de Chimie de la Bibliothèque Sainte Barbe.

La capacité étant limitée à cinquante personnes, un formulaire d'inscription va prochainement circuler. La soutenance sera probablement retranscrit via Zoom.

Résumé :

Ce travail doctoral porte sur l'armement offensif et défensif des peuples de l'Italie préromaine. La guerre constitue, dès l'Antiquité, un ensemble de techniques et de pratiques intimement liées au politique, aux organisations sociales et territoriales et aux codes éthiques et moraux défendus au sein d'une communauté humaine. En reprenant de manière globale le corpus des armes des peuples italiques, en essayant d'y appliquer le concept théorique de "système d'armes" et de "panoplie", qui permet notamment de décrire l'ordre de bataille hoplitique des cités grecques ou l'ordre manipulaire de la légion romaine républicaine, nous avons cherché à voir en quoi il s'appliquait aux formes de combat attestées chez les peuples italiques, dans le cadre du laboratoire technique et militaire que constitue l'Italie préromaine. Nous avons, pour explorer ces questions, procédé à une vaste revue typologique et chronologique des formes d'équipements guerriers documentés dans les contextes funéraires et votifs de l'Italie centrale et méridionale, entre les années 550 et 200 av. J.-C. (lances, épées, casques, cuirasses, ceinturons, jambières) ; en outre, pour comparer ces équipements avec la culture visuelle qui traverses les élites de la région, nous avons procédé au catalogue raisonné des scènes de combat et des équipements représentés dans l'iconographie italique et italiote (céramique à figures rouges issue des ateliers italiens, peinture funéraire campanienne), afin d'analyser les liens discursifs et sémantiques entre images du guerrier, pratique des armes, gestes du combat, et forme des panoplies mobilisées à la guerre. En accompagnant notre étude archéologique d'une revue des données historiques sur les ordres de bataille connus pour cette période par les sources littéraires, nous avons proposé une restitution hypothétique de l'ordre de bataille "théorique" des Italiques, afin d'affiner le cadre de compréhension des engagements militaires qui marquèrent à intervalle régulier les relations interethniques de la région, dans le cadre de la conflictualité accrue qui caractérise la fin de l'époque archaïque et l'expansion romaine.

Nouvelle publication

Ancien conseiller scientifique à l'INHA de 2004 à 2009, Richard Leeman publie un nouvel ouvrage intitulé CY TWOMBLY et la critique américaine 1951-1995, préface de Benjamin H.D. Buchloh.

Ce livre est une étude de la réception de l’artiste américain Cy Twombly (1928-2011) par la critique américaine, de sa première exposition à la rétrospective que lui a consacré le Museum of Modern Art de New York en 1994-1995. Il examine d’abord le statut du peintre dans le contexte du triomphe de l’expressionnisme abstrait durant la première partie de sa carrière (1951-1957), relayé par le pop’art et l’art minimal, au moment ou l’artiste s’installe en Europe (1957-1966), et par la décennie du postminimal (1966-1976) qui ouvre quelques brèches dans le mainstream formaliste et moderniste jusque-là dominant. Les années 1980 et 1990 sont celles d’une réévaluation de ces critères par le discours postmoderne, dans laquelle l’artiste se trouve pris et dont il devient même une figure remarquable. La réception de Twombly aux États-Unis est donc symptomatique, au long de sa carrière, d’horizons d’attente et de présupposés qui gouvernent la critique et l’histoire de l’art en fonction des préoccupations du moment.

https://www.editions-du-regard.com/regard/pages/cytwomblycritiqueamericaine.htm

Nouvelle publication

Ancienne chargée d'études et de recherche à l'INHA de 2004 à 2008, Alessia Zambon publie un nouvel ouvrage en collaboration avec Irini APOSTOLOU intitulé Du pillage à la conscience patrimoniale en Grèce et dans l'Empire ottoman : le rôle des Français et des autres Occidentaux (XVIIIe-XIXe siècle).

Comment, entre le XVIIIe et le début du XXe siècle, passe-t-on du pillage acharné des antiquités, mené surtout par les pays occidentaux, à l’émergence d’une conscience patrimoniale en Grèce et dans l’Empire ottoman ? Tout aussi étrange que cela puisse paraître, ces aspects sont les deux faces de la même médaille qu’il faut étudier en parallèle pour saisir toute la portée du phénomène. Réunissant les contributions de spécialistes issus de plusieurs pays – France, Grèce, Turquie, Italie, Espagne, Belgique, États-Unis – ce volume retrace quelques éléments marquants de la période allant de la redécouverte d’Olympie au XVIIIe siècle au don d’antiquités par la Grèce à l’université de Paris en 1919. Il s’agit d’environ 150 ans pendant lesquels on assiste à une lente évolution du regard porté par les populations locales et par le monde occidental sur l’héritage antique de la Grèce et de l’Empire ottoman. L’inertie initiale des autorités ottomanes a permis et encouragé plusieurs siècles de spoliations de la part des Européens, dont le but – officieux ou officiel – était d’enrichir les collections publiques ou privées. Le nouvel État grec essaye, dès sa fondation en 1830, de mettre un terme à ces enlèvements, tandis que l’Empire ottoman fut plus lent à saisir l’enjeu de la protection de son patrimoine antique. Malgré l’adoption par les deux pays de lois encadrant ou interdisant carrément l’exportation d’antiquités, les grandes puissances européennes continueront tout au long du XIXe siècle à piller les monuments antiques des deux côtés de l’Égée, sans regard pour la législation locale et sous le prétexte de recherches scientifiques. Le volume montre aussi comment les Occidentaux – et en particulier les Français – ont contribué par leurs acquisitions ou par leurs réactions face aux pillages des autres, à éveiller une conscience patrimoniale auprès des Grecs et des Ottomans, accélérant dans certains cas la mise en place de mesures de protection.

Visualiser le fichier «Couverture volume et table des matières.pdf» en ligne

Marine Kisiel nommée conservatrice au Palais Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris

Marine Kisiel,conseillère scientifique à l’INHA rattachée au laboratoire InVisu (unité d'appui à la recherche CNRS UAR 3103 / INHA) depuis 2020, a été nommée conservatrice chargée des collections du 19e siècle au Palais Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris. Nous lui adressons toutes nos félicitations !

Nouvelle publication

Chercheur-invité à l'INHA en 2016 pour le programme "Profession Culture", Romeo Kodra publie un nouvel ouvrage intitulé The Transparent Elephant in the Room: Things to Know About the Transparency of a Few Finnish Public and Private Culture Institutions.

'The Transparent Elephant in the Room: Things to Know About the Transparency of a Few Finnish Public and Private Culture Institutions' (ISBN 978-952-94-6798-3) is a booklet published as a collection of Romeo Kodra's personal impressions, regarding the interventions of the invited speakers for the 'Strategies Forming the Future' session of Globe Art Point ART SUMMIT 2022, held on 21st and 22nd of April 2022 in Helsinki.

Being interested in institutional critique and institutional theory, Kodra did not focus as expected on institutions traditionally dealing with the representational aspects of arts and culture such as galleries or museums. Instead, considering the lack of literature, the researcher investigated the evaluation systems of different public and private gate-keeping institutions of the Finnish Art World such as the Arts Promotion Center - TAIKE, Helsinki Municipality, Oulu Municipality, and Kone Foundation. Apparently, these institutions are not directly interested in representational aspects of arts and culture because they do not directly showcase them and for this reason may seem more neutral in their evaluations. But is this true?

Rather than easy answers, the booklet presents interviews of Maija Lummepuro, Senior Ministerial Adviser, Cultural Affairs, Ministry of Education and Culture; Aleksi Malmberg, from Helsinki Municipality and General Manager at Helsinki Philharmonic Orchestra; Johanna Tuukkanen, Head of Cultural Services and Director of Cultural Centre Valve, City of Oulu; Heljä Franssila, Communications Director at KONE Foundation; Anastasia Trizna, Helsinki based Actor, Singer; Kalle Korhonen, Research Director at KONE Foundation; Veikko Kunnas, Head of Culture Promotion, Helsinki Municipality; Paula Tuovinen, Director of Art Promotion Center Finland – TAIKE. In addition, the reader will find some information regarding the evaluation systems of the European Commission compared to the evaluation systems of the Finnish institutions taken into consideration as well as some of my suggestions on how to see and free the elephant.”

The booklet, a Green Open Access (Green OA) text under Creative Commons Attribution 4.0 International (CC BY 4.0), is accessible at the author's blog aksrevista.wordpress.com and Finnish National Library kansalliskirjasto.fi

Trilogie de cendres au Frac des Pays de la LoireCommissariat : Thomas Fort et Marion Duquerroy, chercheuse postdoctorale Labex CAP en 2015

Trilogie de cendres est une exposition pensée en trois temps à partir de la collection du Frac des Pays de la Loire.

L’exposition regroupe 63 artistes, 89 œuvres dont 74 de la collection du Frac et 10 artistes invité·es. Elle propose une réflexion à entrées multiples sur ce qui fait foyer à travers les notions d’identité, de langage et de mémoire se rapportant aux individus comme aux dynamiques collectives. Conçue par Marion Duquerroy et Thomas Fort, et accompagnée par les étudiant•es de la licence Histoire de l’art de l’UCO d’Angers, elle est complétée par un programme de rencontres et de performances.

Le deuxième volet, ouvert au public jusqu'au 17 juillet 2022, s’intéresse aux questions sociales et politiques (cartes et géographie, genres et marges, clichés et stéréotypes). Les identités et communautés se manifestent (Soufiane Ababri, Georges Tony Stoll ou Andy Warhol), et l’Histoire s’embrase à travers l’impact persistant des régimes coloniaux (Carlos Martiel, Kara Walker ou Truong Cong Tung).

Le troisième et dernier volet intitulé Il n'y a que la mémoire qui hurle sera présenté du 17 septembre au 30 décembre 2022.

Télécharger le fichier «Communiqué-Trilogie-de-cendres.pdf» (2 MB)

Illustration : Damien Cadio, The Piano Drop (détail), huile sur toile, 140 x 190, 2020

Anka au cas par cas du 23 juin au 31 décembre 2022 - CAPC Musée d'art contemporain de Bordeaux

Sara Martinetti, ancienne chargée d'études et de recherche à l'INHA, est la co-commissaire de l'exposition Anka au cas par cas sur Anka Ptaszkowska qui se tiendra du 23 juin au 31 décembre 2022 au CAPC Musée d’art contemporain de Bordeaux.

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Anka au cas par cas

Anka Ptaszkowska, née en 1935 à Varsovie, vivant actuellement entre la Pologne et Paris, est une figure majeure des scènes artistiques polonaise et française. Critique, galeriste, organisatrice d’expositions... son travail d’intermédiaire de l’art est complexe à saisir, d’autant plus que, depuis ses débuts, elle se refuse à toute forme de professionnalisme, du fait de l’ethos politique qui l’anime. En 1966, elle cofonde à Varsovie la fameuse galerie d’avant-garde Foksal et devient une proche collaboratrice et amie d’artistes comme Tadeusz Kantor (1915-1990), Edward Krasiński (1925-2004), Eustache Kossakowski (1925-2001), Maria Ewa Łunkiewicz-Rogoyska dite Mewa (1895-1967), Krzysztof Niemczyk (1938-1994) et Henryk Stazewski (1984-1988). Au début des années 1970, elle s’installe à Paris, se lie avec Daniel Buren et le critique Michel Claura, tisse un nouveau réseau d’artistes, cofonde la Galerie 1-36 ainsi que l’espace alternatif Vitrine pour l’Art Actuel et initie des projets d’envergure comme Échange entre artistes : une expérience muséographique ; 1931-1982, Pologne/USA.

L’exposition prend comme structure un scénario, en trente sections, écrit par Anka Ptaszkowska pour un film. Ce texte, à la dimension littéraire, a inspiré la sélection des œuvres, des imprimés et des photographies documentant ce qu’elle qualifie d’« aventures » et suggérant certains éclairages critiques sur son parcours. Dans un entretien, Anka Ptaszkowska a d’ailleurs expliqué : « En fait, les contradictions m’attirent tellement que la logique de ma vie (s’il y en a une) devient visible seulement à travers une certaine forme de déconstruction. » Une installation sonore, avec des archives orales et des enregistrements inédits, donne à sentir la vivacité́ de cette figure exceptionnelle, dont la vie a nourri l’histoire de l’art et continue de nous inspirer.

Les artistes et personnage de l'exposition : Carl Andre, Violette a, Vincent d'Arista, Włodzimierz Borowski, Daniel Buren, Michel Claura, Andre du Colombier, Florian Fouché, François Guinochet, Dan Graham, Raymond Hains, Izabella Jagiełło,Tadeusz Kantor, Eustachy Kossakowski, Edward Krasiński, Taka Iimura, Maria Ewa Łunkiewicz-Rogoyska, Krzysztof Niemczyk, Rachel Poignant, Henryk Stażewski, Władysław Strzemiński, Hiroshi Yokoyama.

http://www.capc-bordeaux.fr/programme/anka-au-cas-par-cas

Michel Laclotte, le plaisir de la rechercheMercredi 18 mai à 14h30

Le 10 août 2021 disparaissait l’éminent historien de l’art et conservateur Michel Laclotte. Directeur du musée du Louvre entre 1987 et 1994, il pilota l’équipe de préfiguration du musée d’Orsay jusqu’à son ouverture en 1986. Il fut, en parallèle de ses travaux remarquables sur la peinture de la Renaissance, l’un des inspirateurs et fondateurs de l’Institut national d’histoire de l’art dont il présida la mission de préfiguration entre 1995 et 2000. Il rentra ensuite, selon ses propres termes “avec plaisir dans le rang, en prenant part comme chercheur à l’un des programmes”, le répertoire des tableaux italiens dans les collections publiques françaises (le RETIF).

À la suite de la journée hommage organisée conjointement par le musée du Louvre et l’ INHA, cet après-midi est l’occasion de donner la parole à des chercheurs et chercheuses d’horizons variés ayant œuvré à ses côtés ou dans son sillage, au service d’une discipline à laquelle il se consacra avec combativité et passion. Trois tables rondes reviendront successivement sur le rôle de Michel Laclotte dans la création de l’INHA, sur le travail réalisé sous sa direction dans le cadre du RETIF, actif depuis 2001, et enfin, sur son héritage scientifique et intellectuel.

Programme :

14h30 - Introduction - Éric de Chassey (INHA)

14h45 - Michel Laclotte et la création de l’INHA
Modération : France Nerlich (INHA)
Intervenantes et intervenants : Alain Schnapp (université Paris 1 Panthéon-Sorbonne – entretien filmé), Philippe Sénéchal (université de Picardie Jules Verne), Hélène Guichard (musée du Louvre), Isabelle Le Masne de Chermont (Bibliothèque nationale de France)

15h45 - Un programme de recherche sur la peinture italienne : le répertoire des tableaux italiens dans les collections publiques françaises
Modération : Mickäel Szanto (Sorbonne Université)
Intervenantes et intervenants : Nathalie Volle (conservatrice générale honoraire du patrimoine), Matteo Gianeselli (Musée national de la Renaissance), Stefania Mason (université d’Udine)

16h45 - Pause

17h00 - Transmissions
Modération : Carole Blumenfeld (Palais Fesch-Musée des Beaux-arts, Ajaccio)
Intervenantes et intervenants : Thomas Bohl (musée du Louvre), Valentina Hristova (Fondation des Sciences du Patrimoine), Neville Rowley (Staatliche Museen zu Berlin)

18h00 - Discussion

Nouvelle publication"L'estampe, un medium coopératif : graveurs, imprimeurs, éditeurs entre 1890 et 1930", actes de la journée d'étude du 22 juin 2021 (Paris, INHA) sous la direction de Pascale Cugy | Nouvelles de l'estampe

Parution dans la revue Nouvelles de l'estampe des actes de la journée d'étude "L’estampe, un médium coopératif. Graveurs, imprimeurs, éditeurs entre 1890 et 1930" organisée le 22 juin 2021 à l'INHA à l'occasion de l'exposition « Pierre Gatier (1878-1944). De l’élégance parisienne aux rives de l’Oise » (L’Isle-Adam, musée d’Art et d’Histoire Louis-Senlecq, 10 avril-10 septembre 2021), sous la direction de Pascale Cugy, coordinatrice scientifique du domaine histoire et théorie de l’art et du patrimoine à l'INHA entre 2019 et 2021.

https://journals.openedition.org/estampe/1842

Soutenance de thèseClaire Dupin de Beyssat, CER à l'INHA entre 2016 et 2020

Claire Dupin de Beyssat, chargée d'études et de recherche à l'INHA entre 2016 et 2020, soutiendra sa thèse intitulée Les peintres de Salon et le succès. Réputations, carrières et reconnaissance artistique après 1848, préparée sous la direction de France Nerlich (INHA - Université de Tours) et Séverine Sofio (CNRS - Cresspa)

le mardi 08 février 2022 à 09h30, salle des Actes (TA 203), université de Tours

Si vous souhaitez assister à la visioconférence, merci d'envoyer un mail à  Claire Dupin de Beyssat à l'adresse suivante : claire.dupindb @ gmail.com (claire.dupindb @ gmail.com)

Résumé :
La thèse interroge les diverses voies menant au succès artistique dans la seconde moitié du XIXe siècle. À cette période, la perte d’autorité d’anciens acteurs (l’Académie des beaux-arts en particulier) et la montée en légitimité de nouveaux entraîne en effet une reconfiguration du système institutionnel de l’art. La première partie analyse ainsi ce qui fonde l’autorité des deux principales instances de reconnaissance au Salon (le jury et les critiques d’art) et leur articulation. La seconde partie s’appuie sur une analyse des carrières et des réputations des 619 artistes ayant obtenu une médaille de la section « Peinture » au Salon entre 1848 et 1880. Entre analyses quantitatives et études de cas, celle-ci dessine des typologies de succès en fonction des genres pratiqués par les peintres médaillés. La thèse montre ainsi comment coexistent de multiples modalités d’appréciation de l’art, ce qui explique le succès simultané d'œuvres d’une grande diversité stylistique et thématique.

Nouvelle publication"The Architecture of Devotion: James Goold and His Legacies in Colonial Melbourne" sous la direction de Jaynie Anderson, Max Vodola et Shane Carmody

Chercheuse invitée à l'INHA en 2003 et aujourd'hui professeure émérite à l'Université de Melbourne en Australie, Jaynie Anderson a participé à la direction de l'ouvrage intitulé The Architecture of Devotion. James Goold and His Legacies in Colonial Melbourne. Paru en novembre dernier chez Melbourne University Publishing, l'ouvrage met en lumière la transmission de la culture européenne en Australie à travers la vie de l'archevêque James Alipius Goold (1812-1886).

The Architecture of Devotion: James Goold and His Legacies in Colonial Melbourne honours the life and cultural contribution of Archbishop James Alipius Goold (1812-1886). Goold arrived in 1848 as the first Catholic bishop of the newly created diocese of Melbourne and quickly adapted to Australian colonial conditions, setting about establishing an extraordinary network of schools, churches and welfare institutions across Victoria. Beyond the immediate task of building bluestone, bricks and mortar, Goold carried a grand vision, sensing that Melbourne was on its way to becoming a grand international metropolis. A collector and man of refined taste, Goold not only adorned religious institutions with quality Baroque artwork, but he also amassed a unique book collection and private library that showcased his European cultural sensibilities.

Prix Bernier 2021Colin Lemoine distingué pour son ouvrage "Bernard Pagès. Le chant des possibles"

Colin Lemoine, chargé d'études et de recherche à l'INHA entre 2002 et 2004, a été distingué par le prestigieux Prix Bernier, décerné par l'Académie des Beaux-Arts, pour la direction d'ouvrage de Bernard Pagès. Le chant des possibles paru aux éditions Modernes│Ceysson (2020, 410 pages). Doté de 7.000 euros, le prix lui a été remis le 17 novembre 2021 sous la coupole de l'Institut. Nous lui adressons nos félicitations !

Nouveau posteJuliette Maridet, monitrice-étudiante à l'INHA en 2019, rejoint le Musée de l'Air et de l'Espace

Juliette Maridet, monitrice-étudiante au département de la bibliothèque et de la documentation à l'INHA en 2019, a pris ses nouvelles fonctions de chargée des collections d’objets d’art, de sculptures et d’estampes au Musée de l'Air et de l'Espace. Elle a auparavant contribué en tant qu'assistante scientifique à la préparation d'une exposition au château de Lunéville intitulée « La sculpture en son château. Variations sur un art majeur » présentée  jusqu'au 9 janvier 2022.

Soutenance de thèseMarion Loiseau, CER à l'INHA entre 2016 et 2020

Marion Loiseau, chargée d'études et de recherche à l'INHA entre 2016 et 2020, soutiendra sa thèse intitulée Les femmes et leurs images : identité, projection, invention de soi dans les livres d'heures de la France de l'Ouest au XVe siècle 

le vendredi 24 septembre 2021 à 14h au Centre d'études supérieures de civilisation médiévale à Poitiers (24 rue de la Chaîne).

Nouveau poste

Antoine Courtin, chef du service numérique de la recherche depuis 2019 et en poste à l'INHA depuis 2015, rejoint à compter de septembre 2021 le Musée d'Orsay en tant que chargé de développement des ressources numériques du Centre de Ressources et de Recherches.

Nouvelle publication« Entretien Jean-Jacques Aillagon et Colin Lemoine », Au-delà de la couleur. Le noir et le blanc dans la Collection Pinault [catalogue de l’exposition, Rennes, Couvent des Jacobins, 12 juin-29 août 2021], Paris, Éditions Dilecta, p. 11-33.

Du 12 juin au 29 août se tient l'exposition Au-delà de la couleur. Le noir et le blanc dans la Collection Pinault au Couvent des Jacobins à Rennes. A cette occasion, Colin Lemoine, chargé d'étude et de recherche à l'INHA de 2002 à 2004, a mené un entretien avec le commissaire Jean-Jacques Aillagon. Celui-ci est disponible au sein du catalogue publié aux éditions Dilecta (p. 11-33)

Au-delà de la couleur. Le noir et le blanc dans la Collection Pinault [catalogue de l’exposition, Rennes, Couvent des Jacobins, 12 juin-29 août 2021], Paris, Éditions Dilecta, 21,6 x 28,8 cm, 248 p., 30€

Nouvelle publication"Genre androgyne. Arts, culture visuelle et trouble de la masculinité (XVIIIe - XXe siècle)" par Damien Delille, chargé d'études et de recherche à l'INHA de 2010 à 2013

Damien Delille, chargé d'étude et de recherche entre 2010 et 2013, vient de publier l'ouvrage issu de sa thèse aux éditions Brepols sous le titre Genre androgyne. Arts, culture visuelle et trouble de la masculinité (XVIIIe - XXe siècle).

À la croisée de l’histoire des masculinités, de la sexualité et des études de genre, Genre androgyne explore une archéologie proto-queer des sexualités non-normatives qui ont façonné la modernité artistique. S’appuyant sur un corpus inédit, à partir des discours médicaux, des traités scientifiques, des théories esthétiques et des cultures visuelles de l’époque, Damien Delille retrace la trajectoire d’un art androgyne intemporel et hors sexe qui conduit les artistes aux limites de l’abstraction. De la période néoclassique au romantisme mystique, des milieux idéalistes symbolistes à l’école de Pont-Aven et aux prémisses du cubisme orphique, cette histoire alternative de la modernité invite à repenser la masculinité artistique dans ses liens troublés avec le féminin.

Genre androgyne. Arts, culture visuelle et trouble de la masculinité (XVIIIe - XXe siècle) par Damien Delille, paru en mai 2021, 216 x 280 mm, 308 p. (12 ill. n&b, 90 ill. coul)

16e journée doctorale d'Archéologie de l'ED 112 - En ligne le 26 mai 2021

Clément Salviani, chargé d'étude et de recherche entre 2015 et 2019, est membre du comité organisateur de la 16e journée doctorale de l'ED 112 qui aura lieu en ligne le mercredi 26 mai 2021 autour du thème "Archéologie et fouilles en contexte difficiles". 

Téléchargez le programme de la 16 journée doctorale de l'ED 112

Informations et inscriptions à l'adresse : journeedoct2021 @ gmail.com (journeedoct2021 @ gmail.com)

Nouveau posteAriane de Saxcé, chargée d'études et de recherche à l'INHA de 2008 à 2012, rejoint le Deutsches Archäologisches Institut

Ariane de Saxcé, chargée d'études et de recherche à l'INHA entre 2008 et 2012, a rejoint le Deutsches Archäologisches Institut (DAI), antenne de Bonn (KAAK, Commission pour les cultures non-européennes), où elle travaille en tant que research associate depuis le 1er février 2021. Archéologue de formation, elle a soutenu en 2015 sa thèse portant sur les échanges maritimes dans l’Océan Indien et les interactions culturelles entre le monde méditerranéen et l’Asie du Sud. 

Nouvelle publication"Le siècle de Labrouste. Un élève, un maître, un ami". Textes rassemblés par Jean-Philippe Garric, conseiller scientifique à l'INHA entre 2006 et 2012, et Marc Le Coeur

Jean-Philippe Garric, conseiller scientifique à l'INHA entre 2006 et 2012, et Marc Le Coeur viennent de faire paraître aux éditions des Cendres l'ouvrage intitulé « Le siècle de Labrouste. Un élève, un ami, un maître» qui fait suite au colloque « Labrouste et son temps » organisé en 2012 par la Bibliothèque nationale de France, la Cité de l‘architecture et du patrimoine et l’Institut national d’histoire de l’art.

 Avec des essais de Corinne Bélier, Martin Bressani, Hervé Doucet, Fabienne Doulat, Jean-Philippe Garric, Ralph Ghoche, Marie-Agnès Gilot, Marc Grignon, Guy Lambert, Marc Le Cœur, Sigrid de Jong, Natacha Lubtchansky, Caroline Soppelsa & Estelle Thibault.

Auteur de deux réalisations magistrales, la bibliothèque Sainte-Geneviève et la Bibliothèque nationale, qui abrite aujourd’hui également la Bibliothèque de l’INHA, Henri Labrouste (1801-1875) présente à la fois l’image d’un enfant prodige du système – pensionnaire de la villa Médicis, chef d’atelier, puis membre de l’Institut – et celle d’un artiste en marge, introverti et indocile.

Si l’historiographie a parfois souligné leur portée novatrice, notamment dans l’emploi qu’il fit du métal, sa démarche et son œuvre s’enracinent pourtant dans son siècle, que l’architecte semble avoir traversé en trois temps : à l’École, puis à Rome, il est d’abord Labrouste  jeune, ce qui le distingue de son aîné Théodore, également élève architecte, au mitan de son parcours, il gagne un prénom, orthographié parfois « Henry », anglomanie oblige, enfin, dans ses dernières années, son nom seul suffit à le désigner.

Ce livre reflète ces trois grandes séquences, qui impliquent aussi trois générations successives : celle de ses maîtres, architectes d’un autre siècle qui, de Charles Percier à Antoine Laurent Thomas Vaudoyer, portèrent l’architecture Beaux-Arts sur les fonts baptismaux, celle de ses condisciples et de ses compagnons, souvent qualifiée de « génération romantique », celle, enfin, de ses nombreux élèves et de ses enfants, qui connaîtront les développements du béton armé et les prémices des mouvements modernes. De sorte que, des années 1780, où se dessine la gloire de ses aînés, jusqu’à la fin des années 1920, où sa fille publie ses « souvenirs » et parachève sa légende, les essais réunis ici inscrivent l’architecte dans un très long xix^e siècle, mais aussi dans un paradoxe. Labrouste, considéré à juste titre comme l’un des enfants les plus audacieux des Beaux-Arts, y apparaît moins comme une figure singulière que comme le fil conducteur d’une histoire qui lie les derniers feux de l’Académie royale d’architecture aux élans de l’entre-deux-guerres.